Category: 7″, 10″, 12″, EPs


Good Cop beats Bad Cop

This 12″ never hit the stores. It’s a promo. As a single, it was only published on CD. Needless to say that this was not an option for me. The need for CDs is close to zero, the CD single is probably dead already. I was lucky to find this precious little thing in a second hand store, especially since it features a mix that wasn’t included on its digital brother (or sister).

It’s an instrumental version of Massive Attack’s remix of this instant classic, and it’s hard to say no to an additional display of genius from them. Even if it is a pretty mean piece they turned this thing into, no matter whether you listen to the one with the vocals or the one without. It was created when they were busy working on their “Mezzanine” album that featured pretty heavy use of guitars, louder and more dominant than ever before or after. And for this remix, they let them do their thing even more intensely.

Robert del Naja and Neil Davidge must have thought that the Preachers’ guitars were a little too zu nice, so took John Harris along who was already working on the guitar parts on “Mezzanine”. He supplied some pretty vicious, almost brutal attacks on the track, loud and distorted. And instead of the classic drums on the original track the guys supplied some stripped down electronic beats.

The result is quite disturbing, and as in so many other remixes you will find a hard time to recognize elements that were featured in the original track. Even on the one with the vocals. It’s hard to say whether this remix is something like a radical brother of the message that is conveyed, or whether it separates vocal and instrumental elements. Which is why I prefer the instrumental version, even if it doesn’t have much resemblance with the original.

If the Massive Attack guys are the bad cops, you will definitely find the good cops on the other side (isn’t it so much nicer if music comes two sided?). It’s David Holmes, supported by Tim Goldsworthy und Phil Mossman. They give us a really lavish ten minute serving, “The Class Reunion Of The Sunset Marquis Mix” – I tend to suspect that Holmes deliberately gave the endless title an almost equally long remix title.

Just like my favorite Massive Attack version, this remix doesn’t make use of James Dean Bradfield’s vocals – Holmes prefers to let a guitar take his part. Clearly nothing even close to what John Harris did, but rather one that elegantly fits the sound concept of the Manic Street Preachers. Holmes is generally much closer to the original – and still, we can clearly hear and feel his handwriting in this mix. It fits nicely between his second Album “Let’s Get Killed”, and the third one, “Bow Down To The Exit Sign” both regarding style and timing.

It’s an interesting blend. While the original is at home right in the middle of British alternative rock, the Holmes remix is very much at home in his domain, the intellectual side of downbeat, with a touch of stylish nostalgia. And yet, these ten minutes sound like an elegiac homage to the harmonies  and melodies of the track. The beat is a little less stiff, loosened up with the use of cymbals and jingle rings, the bass is confidently carrying everything – and on top of everything Holmes celebrates everything that makes “If You Tolerate This” a great piece of pop music. And if Holmes hadn’t won us over after the first five minutes, the introduction of strings at that point definitely does the job.

Holmes and friends are able to keep us listening over course of the whole ten minutes, cleverly inserting some nicely crafted breaks, only to rebuild the piece bit by elegant bit every time. Which tells you that Holmes is not just a great composer, producer and remixer, his talents in arrangement are just as impressive. One of the finest remix I have heard in a very long time. Good cop beats bad cop, by a margin.



Trans Atlantic Blaze

One of a whole bunch of burners from Daft Punk’s magnificent first album. How much of a heavy hitter this album was can already be deducted from the elite selection of remixers on this 12″ – German house meister Ian Pooley who was at the height of his fame at that time, Scottish Soma label wizards Slam, and the utterly indestructible house legend DJ Sneak from Chicago. Back in 1997 you couldn’t have hoped for bigger names for your remixes, and Daft Punk gave them plenty of opportunity, filling more than 38 minutes on a 12” that was almost as long as an album.

Remembering all those French House bangers that were crafted by Thomas Bangalter and his friends before Daft Punk was established, “Burnin'” sounds like the logical next step. All the way house, electronically enhanced, reduced to just the necessary elements to create maximum forward motion, only decorated with a few clever loops and synths to underline both groove and texture.

In this regard, “Burnin'” is almost exemplary in the way Daft Punk brought the best of Chicago to Paris and turned it into something so unique that any attempt to copy the formula failed miserably. They never shied away from almost endlessly repeating the parts that worked best, of from letting their synth stabs make our ears bleed while we’d still be smiling and moving our butts.

If you look at it that way, it does take the best of remixers to take this almost extreme material and give it a new twist without coming up with something that is either bland or hard to bear. Ian Pooley tried it by being a little less radical, focusing on the track’s excellent bass line and letting it roll a little more smoothly, turning the French House bastard into a slick dance floor tool. No more, but certainly no less.

Slam, on the other hand, chose to be a bit more radical. Their rhythmic framework is a minimalist 909 skeleton with some sparsely applied samples, a reduced bass line and some nice edits of the Daft Punk sound universe. Short and nasty sweeps become a little more extended and a little more digestible, and the bass gets filter treatment during breaks. None of this is a bad idea – but it doesn’t blow you away either.

Being the true house legend that he is, Sneak gets to supply two mixes instead of one, the “Main Mix” and the “Mongowarrior Mix” – almost 20 minutes of pure Chicago, with the typical straight, grooving Sneak signature beats, slightly shuffled snare and a small dose of Latin flavor. That’s how we know and like him. The “Mongowarrior Mix” knows one direction only, forward, always forward, straight as an arrow, taking the long way to the slow and purposeful insertion of the bass line.

That’s what Sneak and Daft Punk definitely have in common – the joy of repetition and variation, having fun with a nice little loop, and keeping their focus on driving things forward. And while his remix colleagues seem to shy away from that evil synth sweep, Sneak grabs it, takes it out of the immediate foreground and makes it part of the groove. You might at times ask yourself if this leads to something specific at some point or whether this is “just” a ten minute house exercise – but who cares, it’s a rigorous exercise and the purpose is found in itself.

Not surprisingly, the “Main Mix” is a little less warriorish, but somehow that doesn’t make it more charming. This is a pretty serious affair, with an even heavier beat, decorated with whatever Sneak found helpful in the original piece. Nine minutes of relentlessness, taking no prisoners at any point.

Our definition of what’s burnin’ has changed a bit over the years – but this is still a classic, and it’s never a crime to keep a Daft Punk 12″ in your collection.

DAFT PUNK – BURNIN’ 12″ – VIRGIN – 724389455168 – 6,5/10


Hootin’ tootin’ groovin’

It’s an interesting development that year after year the party landscape is increasingly serving brass bands to provide a different approach to the usual turntable based entertainment. A lot of times they do what American college marching bands have been doing for quite a while already – adapting soul, rock and pop hits to fit their purposes. People simply love it. And since 2008, the Hackney Colliery Band – featuring no less than seven brass players, a drummer and a bass player – is busy providing their share of cover versions.

Luckily, they tend to be a little more innovative than most, easily on par with the more famous Hot 8 Brass band. On this lovely little 7” they are sending the good old Blackstreet hit “No Diggity” through the hooters, and they are doing it really well. For that occasion they even added more horns to the band. I guess you can’t have too much brass.

The potential disadvantage of such a big brass band – being a little more on the stiff side, especially compared to such an R’n’B track – is actually what makes it so appealing, and the tons of energy that this ensemble is providing is more than enough to make up for the lack of slickness. For good measure and in the absence of singing they simply throw in some really energetic and inspired solos, even keeping it going when the drum break is up. This is a ton of fun.

And those were the days when the B-side was some unloved piece from the back of the shelf. Not on this one. “House Arrest” may sound like it’s some party hit from the early days of House – but it is much closer to a really nice Balkan party classic, and not a cover version at all – it’s a Hackney Colliery original. Not necessarily a revolutionary idea, but it creates just as much joy as the A-side, it’s a lovely idea and really well produced (no wonder: Benedic Lamdin of Nostalgia 77 fame did the honors). Can’t wait to put this on when the next party is approaching boiling point. Cheers!



Crate digging for cineasts

I vividly remember when I discovered this EP at a second hand shop in Frankfurt. And how I was thinking, funny how Barry Adamson always seems to be an interesting figure and somehow his stuff usually doesn’t enter my collection after all.

It’s not like he didn’t have an interesting and impressive background. Active since the beginning of the Punk era, co-founder of the band Magazine. Later, he was a main contributor to Visage, you know, Fade To Grey and all. He was also a member of Nick Cave’s Bad Seeds for three albums until he finally started his own thing on Mute and working on soundtracks. Among his credentials is music for films like Natural Born Killers, Lost Highway and The Beach.

Which sort of brings us to this EP. Sort of – because none of the tracks that are featured here come from his soundtracks. All five of them can be found on three of his album – and they all are connected to the movies in one way or another. Small but essential difference.

“The Man With The Golden Arm” for example is a track from Adamson’s  “Moss Side Story” album which is a fictitious motion picture soundtrack, arranged and composed as if it was one, only that there is no film for it. To complete the confusion: this is one of three bonus tracks that were added to the CD edition of the album and it wasn’t actually composed by Barry Adamson – it’s an Elmer Bernstein composition from a film with the same name that was released in 1955. In short: a bonus track from a soundtrack of a film for an album that is a soundtrack without a film. Oh, and the title itself – a lavishly arranged burlesque piece that received a bit electronic treatment.

It’s obvious where the inspiration for “007 – A Fantasy Bond Theme (Dance Version)” came from. This was actually the track that made me buy this EP in the first place. It’s on his “Soul Murder” album, and I totally loved it when I first heard it. It’s the Bond theme turned into a classic Reggae tune, and the idea is that James Bond is actually a little boy from Kingston dreaming of being a secret agent. Lovely, really. What I didn’t see when I grabbed the vinyl and added it to my stash was the little extension that said “Dance Version”. This version received some additional treatment from Ivor Wimborne und Atticus Ross to somehow make it danceable. And yes, the guy that works with Trent Reznor. Back in those days he was still part of Bomb The Bass. Oh, and the remix… I guess for its day it was pretty okay, but even then I would have asked: why?

The remaining three titles are from “The Negro Inside Me” from 1993, a solo effort on which he dared to cover “Je t’aime (moi non plus)”. “The Snowball Effect” is a wild mix including over-eager nineties dancefloor, some Hip Hop elements, a snippet from an answering machine and some decent solo work on flute and organ.

“Busted (The Michaelangelo Version)” is a kind of collage that features lots of pretty well known Hip Hop bits, a truckload of sound files, Dragnet kind of horns and a police car. Full stack of instruments with thick drums and bass, brass and organ, even sounds from an arcade hall. You do get to understand that back then more was more, this thing is almost bursting at the seams.

Finally: “Dead Heat”, dragging along with a slow, heavy beat, ominous synth horns and a crime theme. Again, very nineties, plenty of synthesizer action that sounds outdated for our ears today – but who knows, the decade will probably come back in fashion at some point. For sure.

After listening to all five tracks I kind of have an idea why my only Barry Adamson moment was when I first heard the Fantasy Bond Theme (the original non-dance-version). His production style did not really age well, and I am not sure if a nineties revival would help.



Immer diese Isländer

Es ist sowas von überfällig, dass ich mal nach Island reise. Also wenn da mal nicht grad wieder ein Vulkan das Hinfliegen verhindert. Aber im Moment wird ja nur Lava gespuckt. Flüssiges Erdinneres, wie Knickebein aus dem Schoko-Osterei, nur ein Stück wärmer. Das ist schon recht spektakulär, aber nur halb so ungewöhnlich wie die Leute da. Man schaue sich nur die Björk an. Oder Sigur Rós. Die haben auch so einen Akzent auf nem Vokal, und alle haben sie so ein wenig einen am Sträußchen.

Was durchaus ein Kompliment ist. Schließlich kommt da Musik bei raus, zu der wir Zentraleuropäer gar nicht fähig wären. Wir verlegen schon mal den Lauf einer Landstraße, weil irgend eine Unke sonst ausgerottet wird. Isländer legen da noch einen drauf, die bauen tatsächlich eine Umgehung um einen Felsen, von dem die Einheimischen überzeugt sind, dass es eine Elfenkirche ist.

Damit dürfte auch der Kontext dieser EP recht gut geschildert sein, die mit so ungewöhnlichen Songtiteln aufwartet wie “Will The Summer Make Good For All Of Our Sins?”. Man möchte für einen Parkplatz an genau dieser Umgehung plädieren, um in der Elfenkirche um Rat fragen zu können. Vermutlich werden die Elfen zu Bedenken geben, dass der Sommer von Sünden nichts wissen will, allenfalls der Winter beklagen könnte, dass das, was im Sommer mitunter geschieht, Sünde sei.

Das dazugehörige Stück Musik jedenfalls hört sich an wie ein Rückblick auf einen Sommer, der zu viel Wehmut führte, wie eine etwas düstere Version eines alten Kinderlieds, von gespenstisch wirkenden kindhaften Stimmen gesungen, bis zur dunklen Ahnug verlangsamt und verschleppt, begleitet von allerhand morbiden Geräuschen, die denken lassen könnten, dass die, die dort singen, auf einem schweren alten Ruderboot durch den nächtlichen Nebel entschwinden.

Múm und auch Sigur Rós haben so rein gar keine Berührungsängste mit dem tief Emotionalen, sie lieben es, knietief im Elegischen zu waten, drücken hemmungslos auf Tränendrüsen rum, schwelgen bis weit über den Horizont hinaus und steigern sich in verzückend entrückte musikalische Elfenwelten hinein, die mit einer Überzeugung vorgetragen werden, mit der mehr als nur Landstraßen verlegt werden können.

Für Múm richtiggehend prototypisch ist da “Kostrzyn”, am Anfang dieser 10″ EP, das auf zerbrechliche, zaghafte Melodien vehement emotionale Fanfaren, Trommeln und Violinen folgen lässt, die auch mal so unvermittelt einsetzen, dass man sich fast erschrickt. Vertieft wird die sehnende Vehemenz noch durch den Einsatz einer Melodica – die darf bei Múm eigentlich eh nie fehlen. Irgendwo in diesem akustischen Elfenzirkus finden wir auch hier und da die Stimme der Sängerin, aber sie taucht auch wieder ab, wie überhaupt die Instrumente mehr vorbeimarschieren als dass sie Teil eines lesbaren Arrangements wären.

“This Nothing Blowing In The Faraway” ist auch so ein flüchtiges fragmentarisches Märchen im langsamen Tempo, wie ein seltsamer isländischer Blues, in dem eben nicht der alte Mann an der Gitarre singt, sondern das Mädchen im Nebel zwischen den heißen Quellen am Fuße des Vulkans. Und statt von der Schwernis des Lebens berichtet sie von Dingen, die sie in einem Traum gesehen hat, oder auch in echt, man weiß es nicht so recht, es macht so viel oder so wenig Sinn wie der Titel des Stücks.

Im abschließenden “Boots Of Fog” geht es tatsächlich recht neblig zu – allerhand unerklärliche Geräusche, ein völlig verzerrter Bass, der tönt wie ein Nebelhorn, jede Menge Glocken, Knarren, Knarzen, Knistern, so etwas ähnliches wie Gesang, oder Flüstern, eine Annäherung an einen Rhythmus, der sich aus den Nebelschwaden hervorarbeitet, ein verstimmtes Banjo – man wähnt sich wie im Intro eines Hörspiels aus einem fernen Land, in dem es mehr Nebel als Sonne gibt, in dem man eher im Boot sitzt als im Auto, in dem das Unerklärliche alltäglich ist. Múm macht auch mal Stücke, die nur bedingt als Musik zu bezeichnen sind, aber trotzdem oder gerade deswegen Geschichten erzählen.

Man kann sich durchaus daran stören, dass die Sängerin von Múm, Kristin Anna, mit sehr viel kindlichem Liebreiz und lieblichem Samt in der Stimme intoniert, das ist sicher Geschmackssache. Es ist aber stimmig, im Bandkonzept, und “normaler” Gesang ist bei dieser Musik tatsächlich nicht denkbar. Man kann sich auch daran stören, dass man keinen Schimmer hat, was die Isländer mit ihrer Musik nun genau ausdrücken oder gar mitteilen wollen. Das gilt es hier eher zu erspüren. Kann man sich drauf einlassen und es lieben – oder eben nicht, dann findet man sie vielleicht einfach nur spinnert.

Ich mag so Geschichten mit Elfenkirchen, ich mag auch Geschichten, die irgendwie spannend sind, obwohl man sie nicht versteht. Ich mag es, wenn Leute nicht so sind wie wir, und Musik machen, die sich nicht nach drei platten Songzeilen schon erschließt. Ich hab noch nie einen Reiseführer über Island gelesen, aber nach dem Hören dieser und ähnlicher Platten habe ich eine ungefähre Ahnung, was mich dort erwartet. Wie gesagt, ich muss da endlich mal hin.

MÚM – DUSK LOG EP – FAT CAT – 10 FAT 03 – 7/10


“One Classic Track – Two Versions” – oder auch vier.

Ein nettes Konzept ist das, was man sich da bei Expansion ausgedacht hat. Eine Serie mit 10″es, in der man sich jeweils einen Klassiker greift und ihn einer modernen Variante gegenüberstellt. Und zwar nicht einem Remix, sondern einer neu eingespielten Version des gleichen Stücks. Nicht, dass da Missverständnisse aufkommen.

In der inzwischen dritten Runde hat man sich einen Jazzfunk-Klassiker von 1976 herausgepickt. Eddie Russ mit “Zaius”. Herr Russ ist ein Keyboarder aus Pittsburgh, der in vor allem in den 70ern aktiv war, und mit seiner Band eine Handvoll Alben produzierte. “Zaius” war klar sein größter Wurf, und ein sehr gelungener Griff ins Regal der vergessenen Klassiker.

Zugegeben – ich kannte das Stück nicht, ebenso wie den guten Eddie. Damit scheine ich mich aber in richtig guter Gesellschaft zu befinden. Denn als ich das Stück auf vorhörte, war das ein richtig lässiger und entspannter Groover. Auch als ich die Platte auspackte, sie auf dem Plattenteller platzierte, und dort die geforderten 33 Umdrehungen pro Minute wählte, war es das noch.

Nur… um dieser Rezension ein wenig Gehalt zu geben, forschte ich im Internet ein wenig weiter. Unter anderem hörte ich mir den Track von der Original LP auf Youtube an. Doch was höre ich da? Ein flotter Tanzflächenfeger im Uptempobereich. What the fuck? Zurück an den Plattenteller, schnell mal von 33 auf 45 umgeschaltet, noch mal neu angesetzt – und siehe da, das nun zu hörende Stück von der 10″ ist identisch mit dem Teil, das auf Youtube zu hören ist.

Also klarer Fall: Die Plattenfirma hat die falsche Geschwindigkeit auf das Label gedruckt, und bei Decks hat man die Angaben brav umgesetzt, ohne zu wissen, dass man da die falsche Geschwindigkeit laufen hat. Das interessante ist nämlich: “Zaius” hört sich auch auf 33 durchaus prima an, und tatsächlich fällt es schwer, dem so entstehenden Stück anzuhören, dass da was falsch läuft.

Wir gehen mal davon aus, dass man bei Expansion nicht absichtlich die langsamere Variante gewählt hat, weil man das so besser findet. Denn auch die Version von Incognito ist mit der falschen Angabe versehen. In jedem Fall habe ich mir tatsächlich diese 10″ wegen des Originals gekauft, und nicht wegen der Incognito-Kopie.

Und egal unter welcher Geschwindigkeit, das Original groovt deutlich mehr, die schrammelnden Soul-Gitarren wirken ein gutes Stück authentischer. Incognito ist sicher eine feine Band, aber eben immer auch ein wenig arg gebügelt, schweißfrei. Eddie Russ ist sicher auch der etwas virtuosere Keyboarder. Trotzdem – auch wenn wie so oft die Kopie nicht ganz an das Original heranreicht – das Konzept dieser Reihe macht Spaß.

Lustig ist das mit dem falschen Tempo allemal. Ich glaube, ich werde mir mal den Spaß erlauben, bei einem Bar-Set den Eddie auf 33 laufen zu lassen. Ich bin sicher, dass das niemand beanstanden wird. Muss mir nur überlegen, was ich sage, wenn mich einer fragt, was das denn für ein Stück sei. Und was ich mache, wenn der Eddie vorbei kommt.



Wären nur alle Tage wie dieser

Das konnte ja nur ein großer Wurf werden. Theo Parrish allein hätte ja schon gereicht. Egal was der Mann tut, es hat einfach große Klasse. Hier tut er das, was er am besten kann, produzieren und die Keyboards bedienen. Die Drums übernimmt Tony Allen. Nigerianer, Drummer in Fela Kutis Africa 70, Vater des Afrobeat, Polyrhythmiker, verehrter und gesuchter Session Musiker.

Da lässt man dann auch nicht irgendwen singen. Eska Mtungwazi, geboren in Zimbabwe, beheimatet in London, und von niemandem geringeren als Gilles Peterson als eine der wichtigsten britischen Sängerinnen bezeichnet. Und wenn man die drei zusammen hat und Theo Parrishs “Flowers” noch in den Ohren hat, dann muss auch Andrew Ashong noch dazu geholt werden, und seinen Bass bringt er auch gleich mit.

Theo Parrish startet mit dieser 12″ sein neues Label “Wildheart” und erklärt uns, sein Sound Signature Label sei für den Körper, Wildheart für alles andere. Interessanter Ansatz, nur ist die Wirkung insbesondere von “Day Like This” auf das, was Theo als alles andere bezeichnet, so dermaßen nachhaltig, dass der Körper davon definitiv nicht unbetroffen bleibt.

“Day Like This” ist schon deswegen ein großartiges Stück, weil es einerseits das Kunststück fertig bringt, einen richtig amtlichen modernen Soul Klassiker abzuliefern, andererseits aber dank der unvergleichlichen Art von Tony Allen, sein Schlagzeug zu bedienen, weit davon entfernt zu sein, auch nur in die Nähe eines Klischees zu kommen. In diesen paar Minuten erlebt man, was moderner Soul leisten kann, wenn man nicht in vordergründigen R&B Platitüden denkt, wenn man sich nicht ohnehin schon wundgescheuerter Schablonen bedient, die aus alten Scheiben geschnitzt und über irgendwelche Sternchen gestülpt werden, um sie gewinnmaximierend durch die Abendunterhaltung der Fernsehsender zu schleusen.

Auf der Rückseite geht es ein ganzes Stück samtiger zu, mit dicken Synth Pads, und David Okumu komplettiert das Ensemble als Gitarrist. “Feel Loved” lebt ebenfalls vom großartigen, hier etwas zurückgenommeneren Schlagzeugspiel Tony Allens, und die fünf haben alle Zeit der Welt. Everyobody wants to feel loved, mehr muss man nicht sagen, und das kann man ruhig auch minutenlang tun, wenn man es so stilvoll und beseelt tut wie hier.

Und statt dass das Stück sich aufbaut, wird es zur Mitte hin eher dekonstruiert, um Theo und Tony ein wenig Raum für Improvisationen zu geben. Ganz weit öffnet sich hier der Raum, und nur langsam findet der Rhythmus wieder zurück ins Arrangement, da sind wir längst über den Feldern der Liebe schwebend entrückt. Es scheint als hätte Theo Parrish in Tony Allen einen idealen Partner gefunden, für all das, was nicht Körper ist. Sehr fein.



From Motor City to Motor City

Dass sich hinter dem Namen Inverse Cinematics zumindest zur Hälfte der gleiche Mann verbirgt wie hinter dem ungleich bekannteren Namen Motor City Drum Ensemble, musste ich mir tatsächlich von Eddi erklären lassen, dem Barmann in Rödelheim, in dessen Laden ich jahrelang die Freitagabende beschallen durfte. Ja, sagte er, als ich ihn erstaunt ansah, das ist der gleiche Typ.

Stimmt. Danilo Plessow, seines Zeichens viel gefeierter House Held aus Stuttgart, war auch vorher schon recht amtlich unterwegs, nur ungleich näher am Jazz. Was der Titel dieser EP ja durchaus nahe legt. Dass der Name der anderen großen Autostadt im Titel der EP zu finden ist, hat ebenso seine Berechtigung – das, was wir hier zu hören bekommen, ist zumindest im Titeltrack durchaus Detroit Jazzin’ und nicht, beispielsweise, New Orleans Jazzin’.

Also flottes Tempo, stilvoller Einsatz von Synths, ein wirklich guter Groove, ein paar soulschwangere Gesangssamples. Das Jazz Element klar am akustisch klingenden Bass zu erkennen, und am trocken treibenden, lässig gebrochenen Beat. Was wir sonst nur aus Skandinavien zu hören kriegen, beispielsweise von Xploding Plastix, oder dann und wann von Kevin Yost dargereicht bekommen, hier kommt es satt und kompetent aus Stuttgart.

Wie auch beim Motor City Drum Ensemble ist die Drum Arbeit von Danilo Plessow exzellent, die Samples sind klug gewählt und stimmig, der Einsatz der Synth Sounds stilvoll. Spannende Breaks sorgen für ausreichend Abwechslung – kein Wunder, dass Eddi damals der Track so gut gefiel.

Der Main Mix ist klar der Favorit hier – der All Good Funk Alliance Remix bringt nicht wirklich neue Ideen, wirkt fast eher wie eine Alternativversion des Originals. Die variierte Bass Line hat nicht den gleichen Drive, der modifizierte Drum Beat nicht so viel Groove, die bearbeiteten Vocal Samples garnieren mehr als dass sie dem Konzept angehörten – das ist nett, das gefällt, aber rollt auch ein wenig beliebig an uns vorbei.

Auf der B-Seite geht Herr Plessow etwas kantiger an die Beat- und Sample-Arbeit, lässt mal schön die Synths knarzen und die Beats rumpeln, so als wollte er uns sagen, dass der gefällige Teil des Abends nun vorbei sei und die deftigeren Nummern ausgepackt werden. “Sine-Flow Disco” hört sich denn auch an als wäre es so etwas wie eine Zero dB Neuabmischung eines Inverse Cinematics Stücks. Da meint es einer ernst, inklusive Lateinamerikanischer Elemente und deftigen Drum Breaks. Gegen Ende geht die Reise definitiv Richtung Brasilien, ohne das elektronische Element über Bord gehen zu lassen.

Das abschließende “April Four” nimmt dann wieder deutlich Tempo und Druck raus, so als wolle man sich eher Richtung Washington bewegen, in die Eighteenth Street Lounge der Thievery Corporation. Sehr auf Salon getrimmt, mit entspanntem Groove, und die Querflöte vom Dorfmeister ist auch mit dabei. Wie immer bei Inverse Cinematics überzeugende Beats, nur der Gehalt ist hier etwas dürftiger ausgefallen. Gute B-Seite halt.

Eine solide EP von einem Projekt, das durchaus mehr Aufmerksamkeit verdient gehabt hätte. Aber die bekam der gute Danilo dann ja noch – als Motor City Drum Ensemble.



Vier mal fein gemischt bitte

Die Karlsruher Experimental-Elektroniker lassen sich auf dieser EP von vier ausgewiesenen Feinmotorikern der elektronischen Musik ein paar schöne neue Kleider schneidern – Jan Jelinek (~scape), Nôze (Get Physical), Staubgold Labelkollege David Last und Aoki Takamasa (Fat Cat, heute Raster-Noton).

David Last verwandelt “Matt” in ein leicht verspieltes, fast fröhliches, richtiggehend indisch verbrämtes kleines Fest mit feinen gebrochenen Beats, Dub Anleihen und Schellenkranzgehüpfe fast wie beim Folkloreabend im Touristenhotel. Richtiggehend übermütig, mit Kollektief-untypisch lebhaftem Kern. Fast schon treibt er es ein wenig zu bunt. Aber nur fast.

Herr Takamasa setzt im Anschluss im Remix von “After The Rain” einen deutlichen Kontrapunkt, mit reduziertem Tempo im elektronisch verkleideten Hip Hop Beat, zerhäckselter Elektronik und ganz viel Entspanntheit. Das ist richtiggehend funky, und die kleinen Garnierungen vom Xylophon geben dem ganzen noch einen richtig feinen entrückten Hauch von Unschuld. Fast schon ein wenig zu lieb. Aber nur fast.

Nôze setzen beim “Lichterloh” Remix auf flotte Minimal Beats und eine gute Prise Melancholie, gepaart mit ein wenig originalem Saxophon-Irrsinn und vokale Experimente – zwischenzeitlich treibt das gut an, schont hier und da allerdings auch nicht gerade die Nerven. Fast schon ein wenig zu forsch. Aber nur fast.

Das klare Highlight ist aber der Jan Jelinek Remix für die “Unstet-Schleifen”. Ein irrsinnig langsamer, deutlich in Jazz getränkter Beat mit einer simplen, aber wunderbaren Bass Line, ein paar Soundschleifen, die sich wie himmlisch entrückte Hawaii-Gitarren anhören – und beglückend seeliger Tiefe. Das ist von wirklich sehr seltener Schönheit. Nein, definitiv nicht fast schon zu schön. Einfach nur richtig schön.



Ians Extrarunde im Hause Krause

Seitdem ich bei der Auswahl von Tonträgern für diesen Blog immer mal wieder auf erstaunliches stieß, wenn ich mir Werke ausgesucht habe, die ich irgendwie noch nicht so richtig wahrgenommen hatte, obwohl sie schon länger in meinem Besitz waren, habe ich so etwas wie ein Faible für das Aufspüren derartiger Fundstücke entwickelt. Und tatsächlich ist es immer wieder so, dass ich dabei höchst Erfreuliches entdecke.

Zumindest partiell ist das auch hier der Fall. Ian Simmonds, ein Künstler der frühen Stunde bei !K7, war für mich überraschend ins Zentrum der leicht frickelig freidenkenden Minimalelektroniker emigriert, zu Musik Krause, w0 er dann aber wie befreit frische kreative Adern entdeckte und dann doch zum nachvollziehbaren Mitglied der krausen Familie wurde.

Spätestens die Remixes seiner Burgenland Dubs sorgten dann dafür, dass aus dem Simmonds Uns Ian wurde, komplett mit Krause Duo Remix und so. Man könnte argumentieren, dass die Burgenland Dubs schon ein so dermaßen erfreuliches Ereignis waren, dass die vier kleinen Nachklapper hier nicht wirklich von großer Bedeutung sein könnten, aber das wäre wirklich etwas arg zickig.

Das Hübsche an dieser EP ist, und da fangen wir heute einfach mal hinten an, dass es das Krause Duo ist, das dem Ian, der den Krauses eine Tüte Jazz mitbrachte, als er zum Label kam, beim Remix von “Kon 1” eine Art Retourkutsche verpasst, indem sie für ihre Neuabmischung Mat Grote einladen, der eine feine Jazz Gitarre spielt, und dann noch Krishan Zeigner perkussive Additive beisteuern lassen. Fast so als wollten sie Simmonds sagen, ist okay, haben uns über die Tüte gefreut, Nachschub wär auch okay.

Dave Aju hat “The Esel” ein wenig geschoren und gebürstet, der ist gar nicht mehr so störrisch wie im Original, mutiert glatt zum The Dancefloor Esel. Die Vocals hat er auch gleich noch weiter nach vorne geholt, als wollte der Dave gleich einen Hit-Esel frisieren. Tut aber gut, das funktioniert.

Eindeutiger Höhepunkt der EP ist aber ohne jeden Zweifel der Even Tuell Remix von “Speak”, der geradezu elegisch und schwärmerisch daher kommt. Fast wäre man genötigt, sich zu fragen, ob das nicht vielleicht doch der Superpitcher gewesen sein könnte. Da nimmt man sich einfach die tief im Komplexen vergrabene Seele des Grooves vom Original, legt sie konsequent frei, fügt ein paar wunderbar einfache und effektvoll verfremdete Streichersamples hinzu, reduziert das vokale Geschehen auf ein einziges Wort, “Speak” natürlich, und lässt uns fast siebeneinhalb Minuten schwelgen. Richtig schön ist das.

Der Opener “Lutherstreet Blues” mit Martin Rudloff an der Trompete ist dann noch einmal ein Willkommensgruß der Krause Gang an den Simmonds’schen Jazz, atmosphärisch dicht und auf verregnete Weise cool. Fast schon etwas für ein Soundtrack, aber bei den Krauses ist eben immer schon mehr möglich gewesen als anderswo.

Das einzig vorsichtig kritische, was man sich so denkt, wenn man die vier Tracks gehört hat: Mensch, wäre bei so einem feinen Album nicht vielleicht noch ein wenig mehr drin gewesen als vier Remixes? Aber meckern ist echt nicht so angebracht. Ich für meinen Teil freue mich, dass ich an Abenden, wo es mal so richtig schön emotional werden darf, der “Speak” Remix in der Tasche darauf wartet, seine Wirkung zu entfalten. Ich freu mich drauf.