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Gold gefunden

Das passiert mir selten. Ein Freund drückt mir einen Haufen weniger bekannter Alben in die Hand und sagt, hör mal durch, könnte dir gefallen, und dann vergesse ich doch tatsächlich die Teile, mülle sie unter einen Haufen anderer Daten, sie geraten in Vergessenheit. Ich räume auf, sortiere um, miste aus, und da sehe ich auf einmal – unter anderem – dieses Album. Weder der Name der Band noch der Titel sagen mir etwas. Ich denke noch – okay, lass mal drauf, hörste dir mal an, vielleicht ist es ja was spannendes.

Drei Wochen später. Ich fange an, endlich mal einen Haufen Rezensionen zu schreiben (endlich Schnee, endlich Winter, endlich Zeit zum Schreiben, dabei ist doch grad erst der Frühling gekommen). Also hingesetzt, bereit gemacht, angeklickt. Und dann: gestaunt, geärgert, geschämt. Das kann ja wohl nicht wahr sein. Wir kann dir so ein Ding durchrutschen? Nur weil du ein bisschen mehr Musik zu Hause hast als andere? Das ist keine Entschuldigung. Mann. Echt.

Also jetzt. Black Gold 360. Ein britischer Produzent namens Simon Sixsmith, der in Utrecht lebt und dort mit fünf Holländern etwas erfunden hat (und man kann es durchaus so formulieren), was sie eine Dirty Electronic Jazz Band nennen. Eine wirklich recht eigenwillige und spannend kreative Mischung aus Jazz, elektronischer Musik, ein wenig Trip Hop und viel experimentellem Mut.

Mit jedem Stück ärgere ich mich mehr, dass mir dieser Lapsus unterlaufen ist. Der Opener „I’m Spartacus“ hat ein spannendes, tief atmosphärisches Intro, das bereits ahnen lässt, dass hier Stimmungen, Szenen erzeugt werden, Momente, Bilder. Minutenlang elektronische Effekte, spärliche perkussive Effekte, ein Saxophon, Noise… Trommeleinlagen, heulende Synthis, schwingende Orgeln, Stereoeffekte – es ist kaum zu beschreiben, was in diesem ersten Stück passiert, bis nach fast fünf Minuten der Synthesizer Teppich weicht, Raum macht für frech lässiges Schlagzeugspiel, rhythmisch gespielten Bass, und ein Trompeten“solo“ – eine Geschichte irgendwo zwischen Lalo Schifrin, Primal Scream und Red Snapper. Nur echt mit Banjo Loop am Ende.

Wenn es so weiter geht, dachte ich mir noch, dann landet das ganz weit oben auf meiner Mag-ich-sehr-Liste. „Superbia In Proelia“ heißt das zweite Stück, fängt mit Kirchenglocken und allerhand anderem Gebimmel an, dazu verzerrte Stimmsamples, brummende Bassunterlage. Und dann – herrlicher Kontrabass, Xylophon, feines Jazz Schlagzeug, Trompete – ja, es geht so weiter, ein wenig wie Cinematic Orchestra mit einem Schuss Anarchie und einer kräftigeren Dosis Elektronik. Zumindest bei diesem Stück passt der Vergleich – das ist Film pur, nur eben etwas mehr French Connection als bei TCO. Faszinierend.

Zwei von elf Stücken, und ich bin schon ein Fan, das passiert mir auch nicht alle Tage. Nummer drei, „Angel Of The North“ fängt an wie Four Tet, Kindersaxophon und -samples, dann Blechtrommelwirbel und allerhand Verzerrungen, eine Harfe. Was für ein seltsam verspielter Traum, der dann in einen langsamen Marsch mit Bass-Saxophon mündet. Schnitt. „Best Of Bad, Love & Light“ schwingt ein wie Molvaer, nimmt dann einen trägen Marschrhythmus auf, bedrohlich instrumentiert, man sieht förmlich, wie sich die Büßer am Ende der Welt in riesigen Kolonnen in die Abgründe des Fegefeuers schleppen, von klagenden Chören, Trompeten und Trommeln begleitet. Erstaunlich dicht inszeniert, immer wieder elektronisch verfremdet – das ist, schon wieder, rundum faszinierend.

„Three Word Poetry“. Es ist noch gar nichts passiert, und doch denkt man, man säße im Eck des Zimmers von Gregor Samsa, der gerade aufwacht, nicht wissend wie man dort hin gekommen ist. Kein rechter Winkel im Raum, seltsame Geräusche, von denen man nicht weiß, sind sie im Raum oder in einem selbst. Da sitzend, kauernd, ungläubig beobachtend, Stimmen aus der Wohnung nebenan, I love you, schwebende Klänge, das Zimmer ist ein anderes, dahingeblichene Liebende vor alten Tapeten, ein Klopfen, es löst sich auf in Hall. I love you. I love you too.

„Jevski’s House“ ist auch ein Ort, an dem man ein schön locker gespieltes Jazz Schlagzeug liebt und es lediglich mit Akkorden und Effekten garniert, um zu schauen, was sich daraus entwickelt. Ein Stück Musik, das live auf der Bühne für fasziniertes Schweigen und Lauschen sorgen dürfte, alle Möglichkeiten offen lässt, es dort hin zu tragen, wo es der Abend eben hin bringt, vorangetragen und gehalten von diesem Schlagzeug Thema. Die viereinhalb Minuten könnten auch zehn sein oder fünfzehn, es wäre auch in Ordnung.

Weiter. „Pay Dirt“ kratzt und klopft los, mit ein bisschen Bass und Farfisa-Orgel, das Schlagzeug dann fast ohne Basstrommel, viel Becken, viel Raum für Ausflüge des Trompeters. Lässig. „Sunspots“ erinnert wieder ein wenig an Four Tet in der „Rounds“ Zeit, verspielt und emotional, ein klein wenig entrückt. „This Machine Kills…“ macht aus Stimmsamples Maschinengeräusche, schleppt sich dann durch einen weiteren Marsch, oder Walzer, dräunende Schwermut und ein fast theatralisches Ambiente, in dem jeden Moment Tom Waits auftauchen und noch einen heiseren Kommentar beisteuern könnte.

„Sleep Soft Under Shell-Fire“ – die Themen werden nicht eben leichter oder gar fröhlich. Wieder so ein schräger Fieberwahn, voller heller Töne, wie das Fiepen in den Ohren nach einem Tag voller Explosionen, aus der Ferne heranwehende Fetzen von Musik, wie Dudelsäcke, Halluzinationen, nicht wachend und nicht schlafend, ein Zischen überall, ein Soundtrack wie Apocalypse Now in den ersten Weltkrieg versetzt, und dann doch so etwas wie Schlaf, kurze Bruchstückhafte Melodien, die sich durch die Atmosphäre ziehen, kurze Momente der Ruhe, vielleicht auch der Hoffnung. Ruhe sanft.

„So Sorry Whitey“ – welch ein Kontrast. Glockenhelles Thema, tiefer Basslauf, lockere Drums, der nun schon gewohnte Noiseteppich, das Spielen mit den Sounds, die man alle nur halb hört, mehr ahnt, die nicht der Musik an sich dienen, sondern dem Eindruck, der Stimmung, die Farben und Hintergründe im Film ausmachen, der sich da wieder abspielt. Tut mir leid, Whitey. Wirklich. Die Welt dreht sich weiter, weißt du. Ich wünsch dir wirklich alles Gute.

Was für ein Album. Ich weiß, bei wem ich mich zu bedanken habe. Und ich weißt jetzt auch, dass Black Gold 360 noch drei weitere Alben veröffentlicht haben. Es ist ganz offensichtlich auch anderen aufgefallen, dass hier wirklich spannende Sachen entstehen. Das hier ist ein tolles Album. Wenn auch mit einigen Jahren Verzögerung – ich bin froh, dass ich es entdeckt habe. Kann im übrigen jeder gratis selbst: alles kostenlos herunterzuladen auf www.blackgold360.com

BLACK GOLD 360 – LM6IX – www.blackgold360.com – 7,5/10

Die ganz große Leinwand

Schon vor dem Cinematic Orchestra war Ninja Tune in meinen Augen eines der spannendsten unabhängigen Labels überhaupt. Und als ich vom ersten Album und der ersten Tournee des TCO las, war meine Aufmerksamkeit schnell und leicht geweckt. Ein Mitarbeiter aus dem Vertrieb, der in seiner freien Zeit im Studio sitzt und mit befreundeten Musikern Jazz Stücke einspielten, um dann das Ganze in Samples stückweise zu verarbeiten und dann zum endgültigen Werk zu kombinieren. So wie sich das las, war das primär ein Sample Projekt. Ich dachte definitiv mehr an DJ Shadow als an „echten“ Jazz.

Dann das Album. Das war dann irgendwie doch ziemlich deutlich Jazz. Und von daher recht überraschend, irgendwie. Nicht dass man aus gesampeltem Jazz wirklich etwas anderes machen könnte oder wollte als Jazz – aber schließlich war Ninja Tune bis dahin für so einiges bekannt, aber eben nicht wirklich für eine Nähe zum Jazz. Es war in jedem Fall eine Überraschung, und in meinen Augen eine extrem positive.

Selbst als ich dann zum Konzert ging, war ich über das, was da auf der Bühne aufgebaut worden war, immer noch erstaunt. Ich hatte mehr oder weniger erwartet, dass die Bühne mit elektronischem Gerät bestückt sein würde, Sampler und Keyboards hauptsächlich. Statt dessen Kontrabass, Schlagzeug, Tasteninstrumente, Blasinstrumente, und eine DJ Station. Das, was dann folgte, gehört bis heute zu meinen schönsten Konzerterlebnissen.

Damals war das Repertoire der Herren verständlicherweise noch auf die Titel des ersten Albums begrenzt. Das Publikum bestand aus vielleicht drei oder vier Dutzend Leuten. Nichts, was das Orchester in irgend einer Form enttäuscht oder entmutigt hätte. Sie spielten so ziemlich das gesamte Album durch und legten noch drei Zugaben drauf, in denen sie mehr oder weniger einfach wieder von vorn anfingen. Sehr zur Freude der Anwesenden. Heidelberg, Karlstorbahnhof. Wer damals dabei war, wird sich sicher auch noch mit einem Lächeln erinnern.

Motion. In dem Fall wohl motion picture. Am Anfang fand ich den Namen des Ensembles nicht eben überzeugend – aber man muss nur ein paar Takte von „Durian“ hören, dem einleitenden Siebenminüter, und schon läuft der Film, ganz unweigerlich. Selbst wenn man nicht weiß, dass Swinscoe und seine Kollegen ein Faible für französischen Film Noir hat, ist der Film, der abläuft, ein Schwarzweißfilm mit ungeheuer dichter Stimmung, die sich immer ein wenig wie leichter Nieselregen anfühlt. Ein wenig Tristesse, ein klein bisschen lauerndes Ungewisses, eine Portion Sehnsucht, und eine Form von Schönheit, die wenig Wert auf Wirkung legt und gerade deswegen so schön unter die Haut geht.

„Durian“ beinhaltet bereits alles, was das Cinematic Orchestra in seiner Anfangsphase so groß gemacht hat – das Szenische, die stillen Momente, die Dramaturgie, und das genüssliche Ausbreiten des atmosphärischen Teppichs. Mit aller Zeit der Welt, einem fast schicksalshaft langsamen Tempo – bis auf einmal nach gut fünf Minuten das Tempo und die Stimmung wechseln und man sich unvermutet in einem völlig anderen Film wieder findet, das Soundtrack irgendwo bei Lalo Schifrin oder Quincy Jones landet, man denkt jeden Moment, Steve McQueen käme um die Ecke.

Und dann „Ode To The Big Sea“. Noch mehr als bei „Durian“ nimmt einen das Stück ohne jede Verzögerung auf die Reise. Der Rhythmus lässt keine Wahl. Ähnlich wie einst bei Brubecks „Take Five“ oder nicht allzu lang vor „Motion“ bei St Germains „Rose Rouge“ ist der Charme unwiderstehlich, das Zusammenspiel von Bass und Schlagzeug schon ausreichend, um einen zu fesseln, einen erwartungsfroh in den Kopfhörern versinken zu lassen. Ein paar spärliche Piano Akkorde dazugelegt, schon bald von einer Trompete unterstützt – es ist gar nicht mal viel, was hier geschieht, und doch ist das Geschehen an sich dicht und spannend. Zur Hälfte ein kleines Schlagzeugsolo, dann ein Saxophon, das ein wenig den Handlungsstrang umspielt – selbst 15 Jahre später ist „Ode To The Big Sea“ hinreißend schön.

Man sollte nicht glauben, dass das Album diesem echten Juwel noch etwas spannenderes hinzuzufügen hätte – und doch weiß man erneut nach nicht einmal einer Minute von insgesamt mehr als 13, die „Night Of The Iguana“ zu bieten hat, dass dies der ultimative Film dieses Albums wird. Es ist auch das Stück, das am besten zeigt, mit welch großer Eleganz und Sorgfalt dieses Album aufgenommen wurde. Die Mischung ist perfekt. Das Schlagzeug spielt alles andere als einen einfachen Rhythmus, und doch fließt alles, ist die Atmosphäre noch viel dichter als in den ersten beiden Stücken. Der Bass hat eine Wärme und Nähe, eine fast haptische Präsenz, und Swinscoe lässt es sich nicht nehmen, das nach gut dreieinhalb Minuten voll auszukosten, nur um dann mit einem Bläserthema aufzuwarten, das uns fast den gesamten Rest des Stückes begleitet und immer wieder Gänsehaut zu erzeugen vermag. Dieses Spiel mit Bläsersätzen und Saxophonen, die miteinander kommunizieren, sich ergänzen, ist eine wunderbare Idee, die viel von der Magie des Cinematic Orchestra ausmacht.

Allein über „Night Of The Iguana“ ließe sich seitenweise schreiben – die Streicher, die kaum etwas tun, und doch die Atmosphäre einerseits dramatisch aufladen, andererseits aber auch die Kraft zu haben scheinen, die Zeit aufzulösen, eine ungeheure Ruhe zu erschaffen. Das Saxophonsolo, das nach gut achteinhalb Minuten das tut, was beim Cinematic Orchestra so bezeichnend ist – einerseits allein im Arrangement das Solo anzubieten, andererseits aber ganz der Handlung zu dienen. Spätestens wenn dann noch zum Solo der Trompete eingeladen wird, ist der Zauber vollendet, der Kreis geschlossen, und mit der Dramatik der Streicher und der Wärme des Basses klingt die Nacht des Leguans aus. Grandios.

Dass das Album danach nicht abfällt, ist eine der schönsten Entdeckungen von „Motion“. Die „Channel 1 Suite“ wartet erneut mit feinem, komplexem Schlagzeug und warmem, stimmungsvollem Bassspiel auf, ist mehr als andere Stücke mit Vocal Samples garniert, und führt das cineastische Thema auf unvermindert hohem Niveau fort. Beim darauf folgenden „Bluebirds“ habe ich ein wenig Schwierigkeiten, gebe ich offen zu – es will so gar nicht gefallen, gibt sich sperrig, das Schlagzeugspiel ist fast mehr Improvisation als fortlaufender Rhythmus, die Stimmung ist schräg, von Horn Stabs duchbrochen – der Film ist in einer eher verstörenden Szene angekommen, fiebrig, fast ein wenig schmerzhaft, irritiert, aber, und das muss man Swinscoe lassen, auch hier wieder stimmig und konsequent, selbst hier lässt es sich schwelgen, in der Handlung mitfiebern.

Es passt gut, dass das nächste Stück „And Relax“ heißt. Nach dem fordernden Ritt des vorangegangenen Titels ist Entspannung sehr willkommen. „And Relax“ ist so etwas wie der kleine Juwel dieses Albums. Wirklich ungeheuer entspannt, ein einfaches Bassthema, ein paar Piano Akkorde, ein wenig Saxophon, sachte begleitendes Schlagzeug – es ist von geradezu hypnotisch beruhigender Wirkung. Die Definition der akustischen Entspannung.

Der Abschluss: „Diabolus“, das Stück, mit dem alles anfing. In Deutschland schon ein Jahr vor dem Erscheinen von „Motion“ und der „Ode To The Big Sea“ 12″ auf Form & Function erschienen, ist „Diabolus“ schon mit allem ausgestattet, was dieses Album so spannend macht. Und obwohl es den Anfang der Arbeit des Cinematic Orchestra darstellt, ist es ein idealer Abschluss dieses Albums. Es lädt einen in eine weitere Filmszene ein, führt einen weiter, und lässt einen schließlich fragen, wie es mi diesem Orchester weiter geht. Es hält die Spannung aufrecht und lässt einen auf eine Fortsetzung hoffen.

„Motion“ hat viel Schönes in sich. Eine der zauberhaftesten Eigenschaften dieses Albums ist es, dass es in seiner ganzen atmosphärischen Dichte und musikalischen Größe von entwaffnender Unaufdringlichkeit ist. Es ist einfach da, in einer Selbstverständlichkeit, die wirklich selten ist, und überzeugt ohne dass man das Gefühl hat, dass jemand sich wirklich groß angestrengt hätte. Ich bin sicher, dass dieses Album sehr viel Arbeit gekostet hat – aber es ist als wäre es einfach nur entstanden. Ich würde mir wünschen, dass man Filme so machen würde.

THE CINEMATIC ORCHESTRA – MOTION – Ninja Tune – ZEN045 – 9,5/10